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Archive for Libros

ESCRITOS DE JUVENTUD

ESCRITOS DE JUVENTUD

«Sólo las imágenes de infancia son imágenes verdaderas», avisaba la fotógrafa Alix Cléo Roubaud, antes de revisar su trabajo ante la cámara de Jean Eustache, en Les photos d’Alix (1980), aquel último cortometraje. El gran cineasta europeo de los años setenta se quitaría la vida meses después, y ella, musa y amante, le seguiría dos años más tarde, al poco de rebasar su 30 cumpleaños. El aforismo de la muy olvidada Roubaud ofrece un sutil regate para adentrarse en los escritos de juventud de Andréi Tarkovski (1932-1986) que, entre relatos, poemas y notas biográficas, publica el sello Abada en una esmerada edición a cargo, aquí, de José Manuel Mouriño, autor del documentado estudio introductorio. En Vivo con tu fotografía, uno de los textos que integran el volumen y acaso el más interesante, el joven Tarkovski enumera y describe una serie de fotos íntimas, capturas de un Andréi rubio de apenas cinco palmos de altura, retratos de la madre, el padre, de una remota casa familiar, rostros espesados por la miseria de la guerra y lo que vino después. A esa verdad, un puñado de fotografías —«la nostalgia de un ideal», llegó a decir—, quiso volver el genio ruso una y otra vez. Son las mismas imágenes que, según desvela Mouriño, empleó el cineasta para preparar la monumental y tan proustiana El espejo (1975), la más autobiográfica de las siete películas que entrelazan una de las filmografías clave de la modernidad fílmica.

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GUERREROS URBANOS

GUERREROS URBANOS

Arturo Pérez-Reverte es, en el mejor de los casos, el tonto útil de la recuperación del grafiti. Efectivamente, los textos de Guerreros urbanos, escritos por Pérez-Reverte para las fotografías de acción del grafitero y fotógrafo jeosm, son cómplices de la estrategia de mercantilización que se sirve del grafiti a escala mundial. Mientras Blu pinta de gris sus murales de Bolonia para que no sean comercializados, mientras expertos, como Javier Abarca, Fernando Figueroa, y Rafael Schachter, promueven un diálogo responsable sobre el grafiti, Pérez-Reverte trata de maquillarlo con la cantidad necesaria de rebeldía para que pueda seguir vendiendo barrios (Kreuzberg, Lavapiés, Williamsburg), ropa (de los pañuelos de Kongo para Hermès [2011] a la colección «Street-Art» de los supermercados Monoprix [2014]), filtros de agua (edición limitada Light Graffiti, de Laica), e incluso obras de Shepard Fairey, Thierry Guetta y Banksy.

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LLÁMALO PERFORMANCE: HISTORIA, DISCIPLINA Y RECEPCIÓN

LLÁMALO PERFORMANCE: HISTORIA, DISCIPLINA Y RECEPCIÓN

cajón de sastre
1. m. coloq. Conjunto de cosas diversas y desordenadas.
Diccionario de la lengua española (2014)

¿Por qué comenzar una reseña sobre un libro relativo al género de la performance con la primera acepción que el drae da a «cajón de sastre»? Porque el término performance hoy en día se utiliza como un cajón en el que se meten todas aquellas prácticas relacionadas con el cuerpo y la expresión corporal que no son teatro (a veces) ni música (a veces también), que se realizan en directo, y cuya huella, más allá de la que deja en el espectador, suele ser una grabación, una serie de fotografías o la documentación generada alrededor de esta (guion, maquetas, etc.).

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ENTRE EL ARTE Y LA VIDA: ENSAYOS SOBRE EL HAPPENING

ENTRE EL ARTE Y LA VIDA: ENSAYOS SOBRE EL HAPPENING

La segunda mitad de la década de los años cincuenta en Estados Unidos podría leerse como el punto central a partir del cual algo sucede en las formas de percibir el arte, pero, sobre todo, en las formas de conceptualizar los límites entre el arte y el no-arte. Pero veámoslo de otro modo. La muerte de Jackson Pollock en 1956 bien podría entenderse como alegoría, como principio alegórico desde donde leer las posibilidades de un arte nuevo. El expresionismo abstracto había desarrollado no solo una forma de hacer arte sino, más allá de eso, una forma de estabilizar institucionalmente esa forma de hacer arte. Es decir, habían creado un recinto perfectamente delimitado donde la lectura de Clement Greenberg había pasado de teoría a dogma. Dentro de estos esquemas, la obra de arte se regía por una relación autónoma, casi onanista, donde esa obra se definía por su propia forma de ser y de darse. Está claro que, tras la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos, como bien han estudiado Gilbaut o Stonor Saunders, se transforma en capital del arte moderno. Esta nueva capital no solo implica un lugar (Nueva York), sino una negativa a hacer del arte un espacio dentro del cual quepa la realidad. Así, y simplificando quizás en exceso, los problemas sociales y políticos de posguerra son eliminados del esquema productivo del expresionismo abstracto, el cual hace de la pureza su arma. Y esto es así hasta bien entrada la década de los cincuenta. Entonces, ¿qué ocurre? ¿Qué provoca el cambio? Una nueva generación de artistas comienza a asomar la cabeza, una nueva generación que está viviendo su presente de un modo bien distinto a como lo vivió la generación anterior. Los artistas jóvenes, por un lado, viven de un modo asfixiante las hasta el momento imposiciones dogmáticas del expresionismo abstracto, pero, por el otro, este mismo ambiente asfixiante les empuja a tratar de hallar lugares fuera de ese límite. La pintura, la escultura, se convierten a ojos de la generación siguiente en pesados muebles o pesadas hipotecas difíciles de soportar. Es ahí, en ese límite, en esa dificultad (que se debate entre lo institucional y lo no institucional) donde aparece la figura notable de Allan Kaprow. Kaprow es perfectamente consciente del problema aquí apuntado, por ello, el primero de sus textos importantes es titulado «El legado de Jackson Pollock». La de Kaprow es una generación criada bajo el ala dogmática del expresionismo abstracto, pero empujada a buscar fuera de ese ala otros espacios nutritivos. Es necesario, por tanto, en primer lugar, «matar al padre». Este texto sobre Jackson Pollock abre este magnífico libro Entre el arte y la vida: ensayos sobre el happening. En realidad, el subtítulo es equívoco. No son ensayos sobre el happening, sino ensayos acerca de cómo el arte es una forma de tomar conciencia de los sucesos cotidianos. Quizá podríamos decir que son ensayos sobre la experiencia como obra de arte.

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PIENSA COMO UN ARTISTA

PIENSA COMO UN ARTISTA

Durante siglos, se estableció como lugar común que los artistas suelen ser gente excepcional, en muchos casos, bastante inútiles para la vida práctica. La cantidad de ejemplos es ingente, y todos podríamos citar algunos de los que han acabado cimentando nuestra cultura y nuestra civilización. Hasta fechas recientes, era más fácil imaginar al auténtico artista, a menudo absorto en su soledad, relacionado con lo sublime y las ideas eternas, exiliado de los intereses circunstanciales del poder y del dinero, más preocupado por sus obsesiones espirituales y creativas que por sus necesidades cotidianas, que defendía valores «esenciales» que no solían corresponderse con las preocupaciones banales, porque aspiraban a lo universal y lo trascendente. El artista por antonomasia siempre fue un individuo más bien raro, crítico y perturbador para el sistema, a veces considerado loco o visionario, casi siempre un ser «marginal» que se ocupaba de cosas «inútiles» e intangibles que preservaban ciertas señas de identidad de lo humano, de sus pasiones y sus preocupaciones. «La inutilidad forma parte del carácter de la obra del genio: es su título de nobleza», escribía Arthur Schopenhauer.

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CAMPO CERRADO. ARTE Y PODER EN LA POSGUERRA ESPAÑOLA. 1939-1953

CAMPO CERRADO. ARTE Y PODER EN LA POSGUERRA ESPAÑOLA. 1939-1953

«Campo cerrado. Arte y poder en la posguerra española. 1939-1953» —proyecto dirigido por María Dolores Jiménez-Blanco— aborda un momento histórico de escaso tratamiento bibliográfico y expositivo. La muestra —inmensa, poliédrica, laberíntica y, además, tan necesaria— analiza ese período definido como páramo cultural, época oscura o tiempo inhóspito. Una época, por tanto, historiográficamente nula. Situación que cambia más adelante, como comenta, en el catálogo, Jiménez-Blanco:

[...] en la llamada transición y más especialmente desde entonces, comenzaron a aparecer textos que tuvieron un valor seminal porque resultaron cruciales para iniciar la reconsideración intelectual de un periodo maldito y para superar el reto académico que suponía romper el cristal que voluntaria e involuntariamente, había acabado por encapsular, ocultar o casi peor, caricaturizar aquella era (pág. 26).

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ALMANAQUE DADÁ

ALMANAQUE DADÁ

Decir dadaísmo goza de muy buena salud en España. Por poner unos pocos ejemplos, uno de los libros finalistas del Premio Nacional de Ensayo fue recientemente La facción caníbal: historia del vandalismo ilustrado (Servando Rocha, Madrid: La Felguera, 2012), que dedicaba buena parte de sus páginas a detallar e interpretar la fascinación que el dadaísmo sentía por la violencia

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DADÁ: EL CAMBIO RADICAL DEL SIGLO xx

DADÁ: EL CAMBIO RADICAL DEL SIGLO <span style=xx" width="600" />

A inicios de 1916, buena parte del continente europeo estaba sumido en un cruento enfrentamiento internacional. Suiza representaba un oasis en medio de aquella masacre, sirviendo de cobijo para artistas, refugiados, exiliados o desertores que huían de la Gran Guerra. Este contexto fue el caldo de cultivo que permitió la aparición de dadá, una de las corrientes artísticas y culturales más influyentes de principios de la centuria pasada.

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CRISTIANISMO BIZANTINO

CRISTIANISMO BIZANTINO

«¿Dónde está el lugar para comprender y superar todo este infierno de guerra, corrupción y vacuidad del alma? ¿Dónde puede uno acogerse para posibilitar de nuevo en la tierra algo así como espíritu, dignidad, belleza y sentido?» (Hermann Hesse sobre Hugo Ball).

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BAMBALINAS

BAMBALINAS

Transgresor, polémico, rebelde, apasionado, heterodoxo, artista total y polifacético, trabajador incansable, con más de dos mil obras en diferentes formatos, Eduardo Arroyo ha hecho muchas cosas además de pintar (escenógrafo, escritor, escultor, impresor, ceramista, caricaturista…). Digamos que no deja de «exponerse», marcándose siempre nuevos retos en diversos campos de la cultura.

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LA MENINA ANTE EL ESPEJO: VISITA AL MUSEO 3.0

LA MENINA ANTE EL ESPEJO: VISITA AL MUSEO 3.0

Desde hace dos décadas, Luis Bagué Quílez ha ido consolidando uno de los perfiles más sólidos en el panorama de la lírica actual. Cinco poemarios de marcado interés y vario estilo avalan su trayectoria como creador literario: Telón de sombras (2002), El rencor de la luz (2006), Un jardín olvidado (2007), Página en construcción (2011) y el reciente Paseo de la identidad (2014).

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ULISES CARRIÓN, ESCRITOR

ULISES CARRIÓN, ESCRITOR

Al trabajar como «responsable de investigación» en el Archivo Lafuente, Javier Maderuelo ha podido manejar los fondos de Ulises Carrión y realizar la que es, sin ningún género de dudas, la investigación más rigurosa y articulada sobre este creador. Aunque en el prólogo de este libro indica que «ha optado por recurrir a una escritura rizomática que se extiende en múltiples direcciones, sin un sentido de centralidad», lo cierto que es hay un despliegue ordenadísimo y nada «esquizoanalítico» que revisa todas las obras

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NEGRO TEATRO DE JORGE MOLDER

NEGRO TEATRO DE JORGE MOLDER

¿Quién es el escultor?, se preguntaba Martin Heidegger, a lo que él mismo respondía: «Un artista que, a su modo, entra en controversia con el espacio». El sincretismo de esta afirmación, pese a tratarse apenas de una mera aproximación provisional que pertenece a un discurso mucho más complejo, no deja de ser sugerente. Tanto es así que cuesta no sumarse a ella y hacer oscilar la pregunta: ¿y contra qué entraría en controversia el fotógrafo? Casi de un modo espontáneo vislumbramos que su disputa se da, acaso, con (o contra) el tiempo. Pero esa respuesta, tememos, es tan inmediata como convencional. Si bien, y para quien así lo entienda, es posible matizarla de la mano de estudios como este que Alberto Ruiz de Samaniego dedica al fotógrafo portugués Jorge Molder. En ningún momento elude Samaniego la cuestión temporal en su análisis, pero por el modo en que se afronta lo substancial del trabajo de Molder, aquello que aquí se nos dice sobre el tiempo (el de la fotografía y no solo) nunca aparece asépticamente aislado. De hecho, con Samaniego deducimos que la controversia temporal de Molder es indisoluble de otra controversia esencial, una que también concierne al espacio: la arena en la que se bate en duelo el artista, el ruedo, el espacio que el fotógrafo remueve mientras crea o, precisamente, el espacio que remueve porque crea.

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ABCDARIO…

ABCDARIO…

Decir que tenemos entre manos un libro de poesía visual, a priori, puede darnos una pista o situarnos en un lugar concreto. Sin embargo, esta práctica es infinita tanto en lo conceptual como en lo formal, por lo que siempre resulta farragoso intentar simplificar o delimitar los tipos de poesía visual o las prácticas concretas de los artistas. Lo que parece claro es que la poesía visual, que da continuidad a la poesía concreta, se enmarca en el mundo de lo literario, residiendo, sin duda, su esencia en el campo de lo visual.
De manera consciente se ha denominado poesía visual a las creaciones de un amplio número de artistas multidisciplinares que se mueven entre lo comunicacional y lo visual, lo gráfico y lo tipográfico.

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PARA LA VOZ

PARA LA VOZ

Fruto de la colaboración entre las universidades de Castilla - La Mancha, Cantabria y San Jorge se ha publicado en España la edición facsimilar de Para la voz , título de uno de los proyectos editoriales más relevantes y llamativos de la vanguardia rusa, concebido por el poeta Vladimir Mayakovsky junto con el diseñador gráfico El Lissitzky en 1922 y publicado originalmente en Berlín un año después.
Cuidadosamente preparada por José Antonio Sarmiento, esta edición reúne, en un estuche formato plaquette, un facsímil del libro original en ruso y su correspondiente versión en español, con traducción de José Luis Reina Palazón.

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BRESSON POR BRESSON, ENTREVISTAS (1943-1983)

BRESSON POR BRESSON, ENTREVISTAS (1943-1983)

Desde el momento de su publicación, este es, para mí, uno de los libros de cine más importantes. Recoge 51 entrevistas del cineasta, compiladas por su esposa. Esta edición española incluso se podría considerar preferible a la original, porque incluye dos entrevistas hechas por españoles que no figuraban en aquella. Y, además, porque también encontramos en ella una breve pero clarividente presentación de Santos Zunzunegui, autor de un libro sobre Bresson en el que ya mostraba su comprensión ajustada y precisa de la obra de un cineasta que se define, quizá más que ningún otro, por esos mismos rasgos.
Bresson, en las entrevistas, con una lucidez siempre alerta, que revela una reflexión incesante a lo largo de sus años de trabajo, define una y otra vez, remachando el mismo clavo, las características de su manera de entender el cine.

Desde el momento de su publicación, este es, para mí, uno de los libros de cine más importantes. Recoge 51 entrevistas del cineasta, compiladas por su esposa. Esta edición española incluso se podría considerar preferible a la original, porque incluye dos entrevistas hechas por españoles que no figuraban en aquella. Y, además, porque también encontramos en ella una breve pero clarividente presentación de Santos Zunzunegui, autor de un libro sobre Bresson en el que ya mostraba su comprensión ajustada y precisa de la obra de un cineasta que se define, quizá más que ningún otro, por esos mismos rasgos.
Bresson, en las entrevistas, con una lucidez siempre alerta, que revela una reflexión incesante a lo largo de sus años de trabajo, define una y otra vez, remachando el mismo clavo, las características de su manera de entender el cine.

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